Les tableaux de Léonard de Vinci

Vinci et Florence, de 1452 à 1481

Il a appris à peindre dans l’atelier de Verrocchio, à Florence. De ces années viennent un tableau à plusieurs mains, une Annonciation, un portrait, deux petites madones et une prédelle que le Louvre donne aujourd’hui à un autre élève de l’atelier. Puis deux panneaux qu’il n’a jamais achevés : le Saint Jérôme, et l’Adoration des mages, commandée en 1481.

1. Le Baptême du Christ

   Entre 1470 et 1475 environGallerie degli Uffizi, Florence

   

   Documenté, avec une nuance : c’est le tableau de Verrocchio. Les Offices nomment Verrocchio en premier et Léonard en second. Vasari a noté la part du jeune élève, l’ange de gauche. Les études actuelles attribuent davantage à Léonard : la rivière au fond, l’éclat de la lumière et le Christ lui-même.

   Jean verse de l’eau sur la tête du Christ dans le Jourdain, et deux anges sont agenouillés à gauche. L’ange de gauche, vu de dos et qui se retourne pour regarder par-dessus son épaule, est de Léonard.

   Vasari a écrit que l’élève a peint son ange si bien que son maître en a été troublé, et un troisième peintre, plus âgé, a probablement travaillé lui aussi sur le panneau : les mains de Dieu et la colombe, en haut, viennent d’une main plus faible.

   Voir le Baptême du Christ dans l’aile

2. L’Annonciation

   Vers 1472Gallerie degli Uffizi, Florence

   

   Documenté. Une œuvre de jeunesse, peinte quand il était encore dans l’atelier de Verrocchio. Personne ne sait qui l’a commandée ni où elle a d’abord été accrochée. Les Offices l’ont reçue en 1867 d’une église située juste à l’extérieur d’une porte de Florence.

   Gabriel est agenouillé dans l’herbe d’un jardin clos de murs et offre un lys à Marie. Elle est assise à un pupitre, devant un palais, son livre ouvert.

   Les ailes de l’ange sont faites sur le modèle de celles d’un vrai rapace, et le bras droit de Marie semble trop long : les Offices pensent que Léonard l’a dessiné pour un spectateur placé à droite, là où nous mettrait un autel latéral.

   Voir l’Annonciation dans l’aile

3. Portrait de Ginevra de’ Benci

   Entre 1474 et 1478 environNational Gallery of Art, Washington

   

   Documenté. Son identité est sûre. Celle du commanditaire ne l’est pas. Le portrait peut marquer son mariage, à 16 ans. Il peut aussi avoir été commandé par l’ambassadeur vénitien Bernardo Bembo, qui l’admirait. L’emblème de Bembo était le laurier et la palme, et sa devise se trouve sous celle de Ginevra sur les images infrarouges : le revers, au moins, vient donc probablement de Bembo.

   La face : Ginevra de’ Benci, une jeune femme d’une famille de banquiers florentins, devant un buisson de genévrier, ginepro en italien, un jeu de mots sur son nom. Le revers du même panneau, que l’aile accroche à côté de la face : le laurier et la palme en couronne autour d’un brin de genévrier, et un ruban avec une devise latine, la beauté orne la vertu. Une bande a été coupée au bas du panneau, probablement à cause de dégâts, et ses mains ont disparu avec cette bande.

   Voir Ginevra de’ Benci dans l’aile

4. La Madone à l’œillet

   Vers 1475Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Alte Pinakothek, Munich

   

   Documenté. L’un de ses premiers panneaux, fait pendant ses années chez Verrocchio, et l’un de ses premiers essais de peinture à l’huile.

   Marie, dans une pièce avec des fenêtres, tend un œillet rouge à l’enfant, assis sur un coussin devant elle. Des montagnes apparaissent par les fenêtres.

   Ce sont les premières de ces montagnes bleues et lointaines que nous connaissons de sa main, et le panneau a appartenu à Jules de Médicis, devenu le pape Clément VII.

   Voir la Madone à l’œillet dans l’aile

5. L’Annonciation, prédelle

   Entre 1475 et 1478 environMusée du Louvre, Paris

   

   Contesté, et ici, c’est le musée lui-même qui prend l’autre parti. Le Louvre l’attribue à Lorenzo di Credi, formé avec Léonard chez Verrocchio, garde Léonard comme ancienne attribution et la date d’environ 1475 à 1500. Aujourd’hui, les spécialistes se partagent entre trois avis : Lorenzo, Léonard, ou les deux ensemble.

   Un petit panneau en largeur : l’ange est agenouillé devant Marie dans un jardin. Il vient de la prédelle, la bande de petites scènes sous un retable, du retable que l’atelier de Verrocchio a peint pour la cathédrale de Pistoia, où le panneau principal est toujours en place.

   Pour le Louvre, les grands yeux, les visages plus sobres et les plis plus plats évoquent davantage Lorenzo. Le musée a acheté le panneau en 1863 avec la collection du marquis Campana, à Rome, vendue après sa faillite.

   Voir la prédelle dans l’aile

6. La Madone Benois

   Entre 1478 et 1480 environMusée d’État de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg. La page de l’Ermitage indique qu’elle n’est pas dans l’exposition permanente : vérifiez avant une visite.

   

   Documenté. La peinture a été transposée de son panneau de bois sur une toile.

   Marie est très jeune ici, avec la robe et la coiffure à la mode florentine de son temps. Elle tend une petite fleur au bébé, qui essaie de la saisir et lui tient la main. Les pétales forment une croix, signe de ce qui va venir.

   L’Ermitage dit que son visage vient d’un modèle vivant, pas d’un idéal, et que sans les auréoles dorées, il reste une mère qui joue avec son fils.

   Voir la Madone Benois dans l’aile

7. Saint Jérôme

   Entre 1480 et 1490 environPinacoteca Vaticana, Cité du Vatican

   

   Documenté. Le Vatican dit que l’attribution n’a jamais été mise en doute. Il date le panneau d’environ 1482, car son style est très proche de l’Adoration des mages. Certains historiens le placent plus près des années 1490.

   Le saint lettré en pénitent dans le désert, maigre, sans barbe et en haillons, agenouillé, une pierre dans le poing, levée pour se frapper la poitrine, et un lion couché devant lui. Sur la plus grande partie du panneau, Léonard n’est jamais allé au-delà du dessin préparatoire brun, et une tache rouge figure son chapeau de cardinal.

   À un moment, le panneau a été découpé en cinq morceaux. L’oncle de Napoléon, le cardinal Joseph Fesch, les a retrouvés et les a fait réunir, et le pape Pie IX l’a acheté en 1856.

   Voir le Saint Jérôme dans l’aile

8. L’Adoration des mages

   Entre 1481 et 1482 environGallerie degli Uffizi, Florence

   

   Documenté. Les moines de San Donato a Scopeto, un couvent augustin juste à l’extérieur de Florence, l’ont commandée en juillet 1481 pour leur maître-autel et lui ont donné 30 mois. Léonard est parti pour Milan avant de l’avoir achevée. Finalement, Filippino Lippi a peint le retable pour eux.

   Les trois rois sont agenouillés avec leurs présents devant Marie et l’enfant, une foule en arc de cercle autour d’eux, et derrière eux des ruines, une construction inachevée avec des escaliers, et des cavaliers qui se battent. La plus grande partie n’a jamais dépassé le stade du dessin : certaines figures ne sont que des contours, d’autres sont presque modelées.

   La restauration de 2012 à 2017 a montré qu’il a cherché la composition sur le panneau lui-même, au lieu de la fixer d’abord sur papier, ce qui est rare même chez lui. Des restaurateurs plus anciens avaient couvert le panneau d’un vernis teinté qui le faisait paraître presque monochrome.

   Voir l’Adoration des mages dans l’aile

Milan, de 1482 à 1499

À Milan, il a peint un retable pour une confrérie. Il existe en deux versions, et dans celle de Londres, beaucoup voient la main de son atelier. Suivent trois portraits, dont un contesté, et une Madone qui allaite que beaucoup croient peinte par un élève, d’après son dessin. Sur le mur d’un réfectoire, il a peint pour Ludovic Sforza la Cène, qui clôt cette page.

1. La Vierge aux rochers, version du Louvre

   Entre 1483 et 1494 environMusée du Louvre, Paris

   

   Documenté. Le contrat est daté du 25 avril 1483 : Léonard et deux peintres, les frères de Predis, devaient peindre et dorer le retable de la chapelle d’une confrérie à Milan. Un long litige financier a suivi. C’est la première des deux versions.

   Marie est agenouillée dans une grotte rocheuse, une main au-dessus de l’enfant Jésus, et de l’autre elle rapproche le petit Jean-Baptiste. Un ange soutient Jésus et pointe un doigt vers Jean, et Jésus le bénit. Derrière eux, des montagnes et de l’eau.

   Personne ne sait comment le tableau est arrivé en France : sa première mention date de 1625, à Fontainebleau. Des images infrarouges prises en 2009 montrent que l’ange a d’abord été peint sans la main qui montre, comme dans le panneau de Londres, et que Léonard a ajouté le geste vers la fin.

   Voir la Vierge aux rochers du Louvre dans l’aile

2. Portrait de musicien

   Vers 1485Veneranda Biblioteca Ambrosiana, Milan

   

   Contesté, mais surtout par des voix plus anciennes. L’Ambrosiana l’attribue à Léonard sans hésitation, et la plupart des spécialistes sont d’accord. Le doute est né en 1890, quand le nom d’Ambrogio de Predis a été proposé. Une étude de 1987 a suggéré que Léonard a peint la tête et le buste, et que quelqu’un d’autre, peut-être Boltraffio, a ajouté plus tard la main avec la feuille.

   Un jeune homme vu jusqu’aux épaules, un peu détourné de nous et regardant vers sa droite, une partition pliée à la main. Qui il est, personne ne le sait : il passait pour le duc de Milan jusqu’au nettoyage de 1905, qui a révélé la main et la feuille, et parmi les noms proposés depuis figurent le maître de chapelle de la cathédrale, Franchino Gaffurio, et l’ami musicien de Léonard, Atalante Migliorotti.

   Ses deux pupilles n’ont pas la même taille, la gauche un peu plus petite, comme s’il avait été saisi juste au moment où l’œil s’ouvre davantage quand la lumière baisse, ce que Léonard a décrit dans ses notes.

   Voir le Musicien dans l’aile

3. La Dame à l’hermine

   Entre 1489 et 1491 environMuzeum Narodowe w Krakowie, Muzeum Książąt Czartoryskich, Cracovie

   

   Documenté. Selon le musée, Ludovic Sforza a commandé le portrait quand le modèle avait environ 16 ans. C’est le seul tableau de Léonard en Pologne.

   Cecilia Gallerani, une jeune femme de la cour de Milan et la maîtresse du duc, tournée de trois quarts et regardant au-delà de nous, une hermine blanche dans les bras. Son nom a été proposé vers 1900 et il est admis aujourd’hui, car un poète de la cour a écrit un poème sur le portrait que Léonard a fait d’elle. L’hermine représente le duc, surnommé l’Hermine blanche d’après un ordre de chevalerie qu’il a reçu en 1488 : le musée voit donc dans le tableau un double portrait.

   Dans un coin du haut, quelqu’un a écrit, vers 1800, que le tableau représente la Belle Ferronnière, le nom du portrait suivant sur cette page : pendant un temps, les deux ont donc porté le même nom.

   Voir la Dame à l’hermine dans l’aile

4. Portrait de femme, dit à tort La Belle Ferronnière

   Entre 1490 et 1497 environMusée du Louvre, Paris. Quand nous avons vérifié, le Louvre l’indiquait comme non exposé.

   

   Documenté. Son identité n’est pas établie. La plus ancienne candidate est Lucrezia Crivelli, maîtresse du duc depuis 1495 environ, nommée dans un poème latin recopié dans le Codex Atlanticus de Léonard. D’autres proposent Béatrice d’Este, l’épouse du duc, ou Isabelle d’Aragon.

   Une jeune femme derrière un parapet de pierre, le corps tourné d’un côté et la tête de l’autre, dans une robe rouge à la mode milanaise aux manches nouées de rubans, un fin cordon sur le front avec une pierre rouge. Son regard glisse juste à côté de nous.

   Le nom est une erreur, et le titre même du Louvre le dit (« dit à tort »). C’était le nom d’un autre portrait de la collection royale française, une gravure de ce tableau l’a porté par erreur, et en 1784, un inventaire l’a même appelée Anne Boleyn.

   Voir la Belle Ferronnière dans l’aile

5. La Madone Litta

   Vers 1490Musée d’État de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg

   

   Contesté. L’Ermitage la présente comme une œuvre de Léonard, sans réserve, et la date du milieu des années 1490. Beaucoup de spécialistes pensent que son élève Giovanni Antonio Boltraffio l’a peinte d’après un dessin de Léonard. Martin Kemp a dit que presque tous les spécialistes la voient ainsi.

   Marie allaite l’enfant dans une pièce sombre aux deux fenêtres pareilles, chacune ouverte sur de vastes montagnes. Le Louvre possède une étude pour ce tableau, dit l’Ermitage, et le nom vient du duc milanais Antonio Litta : l’Ermitage a acheté le tableau à la collection Litta en 1865.

   Quand la National Gallery de Londres l’a empruntée en 2011, le tableau était exposé comme un Léonard, tandis qu’une étude de draperie pour ce tableau, dans la même exposition, portait le nom de Boltraffio.

   Voir la Madone Litta dans l’aile

6. La Vierge aux rochers, version de Londres

   Entre 1491 et 1508 environNational Gallery, Londres

   

   Attribution avec réserve. La National Gallery l’attribue à Léonard seul. Le conservateur du Louvre voit le travail d’élèves dans certaines parties, l’enfant Jean proche de Boltraffio, et la considère comme peinte en grande partie par l’atelier sous l’œil de Léonard, avec sa propre main par endroits.

   La même scène que le tableau de Paris, avec des différences : l’ange ne montre plus du doigt, les figures portent de fines auréoles dorées, et l’enfant Jean tient une croix de roseau. Le tableau a été peint pour la chapelle milanaise nommée dans le contrat de 1483, et la National Gallery a trouvé trois phases de travail : commencé au début des années 1490, la tête du Christ tournée de profil quelques années plus tard, et le ciel bleu ajouté après que Léonard a été rappelé à Milan en 1506.

   Les plantes de la grotte ne sont pas des espèces réelles : selon la National Gallery, ce sont des mélanges de plusieurs plantes différentes.

   Voir la Vierge aux rochers de Londres dans l’aile

Venise, Florence et la Romagne, de 1500 à 1506

De retour à Florence, il a commencé la Joconde et la Sainte Anne, et il a travaillé aux deux pendant des années. Une petite Madone pour le secrétaire du roi de France existe en deux versions, chacune attribuée avec réserve. Sur un mur du Palazzo della Signoria, il a commencé une bataille aujourd’hui perdue, connue ici par une copie.

1. La Vierge au dévidoir, version Buccleuch

   Vers 1501Collection du duc de Buccleuch, en dépôt aux National Galleries of Scotland

   

   Attribution avec réserve. Il existe deux versions, côte à côte dans l’aile. Sous la peinture de chacune, les analyses ont trouvé les mêmes reprises, faites pendant que les deux tableaux avançaient dans l’atelier. Martin Kemp y voit Léonard qui profite d’une commande pour faire un second tableau à vendre. D’autres se demandent quelle part de chacune est de lui.

   Marie est assise parmi des rochers et tend la main tandis que l’enfant, qui se tourne en travers de ses genoux, attrape un dévidoir, l’outil en forme de croix qui sert à enrouler le fil, ici un signe de la croix à venir. Un religieux a écrit à Isabelle d’Este en avril 1501 que Léonard peignait ce tableau pour Florimond Robertet, secrétaire du roi de France. En août 2003, deux hommes qui se faisaient passer pour des touristes l’ont décroché du mur au château de Drumlanrig, en Écosse, et la police l’a retrouvé quatre ans plus tard dans un cabinet d’avocats de Glasgow.

   Voir la version Buccleuch de la Vierge au dévidoir dans l’aile

2. La Vierge au dévidoir, version Lansdowne

   Vers 1501Kenneth C. Griffin Collection, en dépôt au Metropolitan Museum of Art, New York

   

   Attribution avec réserve. L’étiquette du Met indique Léonard de Vinci et atelier. Les deux versions ont avancé ensemble dans l’atelier. D’après Martin Kemp, l’une est allée à un fonctionnaire français et l’autre, pense-t-il, au roi lui-même.

   La même scène que le panneau Buccleuch : l’enfant avec le dévidoir, Marie qui tend la main vers lui, des rochers derrière. Depuis le printemps 2026, le tableau est accroché dans les salles de peinture européenne du Met, en dépôt de longue durée et sans communiqué de presse.

   En mai 2025, Martin Kemp a écrit que la trace du tableau était perdue, et un an plus tard, il était accroché à un mur du Met.

   Voir la version Lansdowne de la Vierge au dévidoir dans l’aile

3. La Joconde

   Entre 1503 et 1519 environMusée du Louvre, Paris

   

   Documenté. Léonard l’a commencée à Florence vers 1503, probablement pour le mari du modèle, le marchand de soie Francesco del Giocondo. Il ne l’a jamais livrée : le tableau a voyagé avec lui à Milan, à Rome et en France, et il a continué à y travailler. Le roi de France l’a très probablement acheté en 1518 à Salaì, l’élève de Léonard.

   Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo, assise dans un fauteuil et tournée vers nous, une main posée sur l’autre, une balustrade basse derrière elle et, au-delà, des montagnes, de l’eau, une route sinueuse et un pont. Pour le Louvre, la question d’un autre nom pour le modèle ne se pose pas : c’est Lisa.

   En 2005, une note est apparue dans la marge d’un livre de la bibliothèque universitaire de Heidelberg : un fonctionnaire florentin a écrit en octobre 1503 que Léonard travaillait à la tête de Lisa del Giocondo, ce qui a réglé à la fois la question du modèle et celle de la date.

   Voir la Joconde dans l’aile

4. La Vierge, l’Enfant Jésus et sainte Anne

   Entre 1503 et 1519 environMusée du Louvre, Paris

   

   Documenté. Aucun commanditaire n’est documenté. Le Louvre pense que Léonard l’a commencée sans commande, à Florence, entre 1500 et 1503 environ, pour montrer ce dont il était capable, et il l’a gardée avec lui en France. Le roi de France l’a très probablement acquise en 1518.

   Anne est assise avec sa fille adulte, Marie, sur les genoux, et Marie se penche en avant pour tenir l’enfant, qui a attrapé un agneau, signe de son sacrifice. Derrière eux, des montagnes et des lacs, devant, des couches de roche et de l’eau.

   Le tableau était encore inachevé à la mort de Léonard : la restauration de 2010 à 2012 a trouvé ses derniers coups de pinceau sur la robe d’Anne, et le visage de Marie n’a jamais reçu son dernier modelé, le plus fin.

   Voir la Sainte Anne dans l’aile

5. La Lutte pour l’étendard, d’après la Bataille d’Anghiari

   XVIe siècle, reprise au début du XVIIe siècleMusée du Louvre, Paris, département des Arts graphiques. Visible uniquement sur rendez-vous, en salle de consultation.

   

   Copie. Un dessin, pas un tableau, fait par d’autres mains : sur la fiche du Louvre, l’artiste est Rubens. Un Italien inconnu a copié l’immense carton de Léonard au XVIe siècle, d’autres l’ont repris au début du XVIIe, et Rubens, qui l’a possédé, l’a repassé à la plume et à l’aquarelle et a agrandi la feuille.

   Des cavaliers qui se battent pour un étendard, chevaux et cavaliers noués en une seule masse : le centre de la Bataille d’Anghiari, la peinture murale que Léonard a commencée entre 1504 et 1505 pour le Palazzo della Signoria à Florence, aujourd’hui le Palazzo Vecchio. Ce qu’il avait mis sur le mur a été détruit vers 1560, et Rubens ne l’a jamais vu.

   Au dos du panneau de la Sainte Anne, au Louvre, l’imagerie infrarouge a trouvé trois esquisses, dont une tête de cheval très proche du cheval qui est à droite dans cette bataille.

   Voir la copie de la Bataille d’Anghiari dans l’aile

Retour à Milan, de 1506 à 1513

Après son retour à Milan, il a achevé la Vierge aux rochers de Londres, et le Saint Jean souriant a peut-être été commencé ici. L’aile date de ces années deux autres œuvres, le grand carton aujourd’hui à Londres et une tête de jeune fille aux cheveux défaits, même si les sources débattent de leurs dates. Le Salvator Mundi, contesté, est placé ici parce que sa date va jusqu’en 1510.

1. La Vierge, l’Enfant Jésus avec sainte Anne et saint Jean-Baptiste

   Entre 1506 et 1508 environNational Gallery, Londres

   

   Documenté. Ce carton, connu sous le nom de carton de Burlington House, n’est pas une peinture mais un dessin, au fusain et à la craie blanche sur papier, et c’est le seul grand dessin de sa main conservé aujourd’hui. Sa date est discutée : la National Gallery dit entre 1506 et 1508 environ, le conservateur du Louvre vers 1500, comme sa première idée pour la Sainte Anne.

   Marie est assise sur les genoux de sa mère, Anne, et tient l’enfant, qui se tend vers le petit Jean, tandis qu’Anne lève le doigt vers le haut. C’est un dessin grandeur nature qui n’a jamais servi à peindre, car la feuille n’a jamais été piquée pour reporter le dessin : la National Gallery pense donc qu’il a été fait pour être montré à un commanditaire.

   À son époque, le papier n’existait pas en feuilles de cette taille : il en a collé beaucoup ensemble, et les raccords se voient de près.

   Voir le carton de Burlington House dans l’aile

2. La Scapigliata

   Entre 1506 et 1508 environGalleria Nazionale di Parma, Complesso della Pilotta, Parme

   

   Attribution avec réserve. La galerie l’attribue à Léonard, avec la critique italienne presque unanime, et la date d’environ 1492 à 1501. L’aile suit une proposition qui la date vers 1508. La réserve tient à la nature de l’œuvre : une esquisse monochrome sur un panneau de bois, ni dessin ni tableau achevé.

   La tête d’une jeune femme qui regarde vers le bas, les cheveux défaits et ébouriffés. Scapigliata veut dire « échevelée » en italien. On ne sait pas à quoi elle servait : une étude pour un tableau de Léda, pour le carton aujourd’hui à Londres, pour la Vierge aux rochers de Londres, ou une œuvre autonome.

   Le directeur de la galerie lui-même en a douté en 1896, car elle venait de l’atelier d’un peintre. La galerie l’avait achetée en 1839 aux héritiers d’un peintre, et l’inventaire qui l’accompagnait l’appelait simplement tête de Madone en clair-obscur.

   Voir la Scapigliata dans l’aile

3. Saint Jean Baptiste

   Entre 1508 et 1519 environMusée du Louvre, Paris

   

   Documenté. Aucun commanditaire n’est connu. Léonard l’a gardé avec lui en France, et le roi de France l’a très probablement acheté en 1518. Ensuite, le tableau a beaucoup voyagé : un duc français l’a offert à Charles Ier d’Angleterre, il a été vendu après l’exécution de ce roi, et Louis XIV l’a racheté pour la France en 1662.

   Un jeune Jean-Baptiste sort de l’ombre, souriant, la main droite pointée vers le haut, une fine croix de roseau dans la gauche, une peau de bête tachetée sur le corps.

   La peau est tachetée comme celle d’un léopard, et non en poil de chameau comme dans la Bible, un détail que le Louvre dit unique pour l’époque, et les analyses montrent qu’il a déplacé le contour du corps trois fois ou plus.

   Voir le Saint Jean Baptiste dans l’aile

4. Salvator Mundi

   Entre 1499 et 1510 environCollection particulière, lieu actuel non confirmé

   

   Contesté, plus que tout autre. Pour Léonard : Martin Kemp et la National Gallery de Londres, qui l’a exposé comme une œuvre de Léonard en 2011. Contre, ou dans le doute : Carmen Bambach, qui en attribue la plus grande partie à Boltraffio, et Frank Zöllner, qui y voit un tableau d’atelier, probablement avec la main de Léonard, trop abîmé et trop restauré pour un jugement ferme.

   Le Christ en sauveur du monde (le sens du titre), de face, la main droite levée pour bénir, une sphère de cristal transparent dans la gauche, vêtu de bleu avec des bandes brodées. En 1958, il a été vendu aux enchères 45 livres sterling comme une œuvre d’école, et en novembre 2017, chez Christie’s à New York, environ 450 millions de dollars, le prix le plus élevé jamais payé aux enchères pour une œuvre d’art. Il n’a plus été montré en public depuis, et selon un article de presse de 2024, il se trouve peut-être dans un entrepôt à Genève.

   Voir le Salvator Mundi dans l’aile

Amboise, de 1516 à 1519

Après trois ans à Rome, il est parti en France avec la Joconde, la Sainte Anne et le Saint Jean toujours entre ses mains. Le seul tableau de ces années dans l’aile vient de son atelier, pas de lui.

1. Bacchus, autrefois Saint Jean Baptiste

   Entre 1517 et 1520 environMusée du Louvre, Paris

   

   Atelier. Le Louvre le classe comme atelier de Léonard et l’attribue à Francesco Melzi, l’élève qui a vécu avec lui en France à partir de 1516. Le Louvre suggère que Melzi l’a peint là-bas pour le roi de France, d’après le petit Saint Jean de Léonard.

   Un jeune homme est assis en pleine campagne, souriant et montrant du doigt, du lierre sur la tête, du raisin et un bâton dans les mains, une peau tachetée autour de lui. Il a été peint en Jean-Baptiste.

   En 1625, un visiteur à Fontainebleau a noté que le tableau n’incitait pas à la dévotion, et à la fin de ce siècle, il a été transformé en dieu païen Bacchus : le raisin et le lierre ont été ajoutés, et la croix de Jean est devenue un bâton. La restauration de 2017 à 2019 a montré que la peau est d’origine, et que le raisin et le lierre sont plus tardifs.

   Voir le Bacchus dans l’aile

Sur son propre mur

1. La Cène

   Entre 1494 et 1498 environMuseo del Cenacolo Vinciano, Santa Maria delle Grazie, Milan

   

   Hors de la salle des tableaux. Une peinture murale, toujours sur le mur où elle a été peinte, dans le réfectoire d’un couvent dominicain, et l’aile en montre une reproduction sur un mur de la cour, à la taille de l’original.

   Le Christ au milieu, les apôtres autour de lui à une longue table. Léonard l’a peinte pour Ludovic Sforza, duc de Milan, à la détrempe sur enduit sec, et non à fresque.

   Comme la peinture restait sur le mur au lieu d’y pénétrer, elle a commencé à s’écailler en vingt ans environ. La suite de son histoire est sur sa propre page.

   Voir la Cène dans l’aile

   La Cène a sa propre page, en anglais : la porte, la bombe, la restauration et comment la voir à Milan.