Las pinturas de Leonardo da Vinci

Vinci y Florencia, de 1452 a 1481

Aprendió a pintar en el taller de Verrocchio, en Florencia. De esos años son un cuadro compartido, una Anunciación, un retrato, dos pequeñas madonas y una predela que hoy el Louvre atribuye a un compañero de taller. Después vienen dos tablas que nunca terminó: el San Jerónimo y la Adoración de los Magos, que le encargaron en 1481.

1. Bautismo de Cristo

   Entre 1470 y 1475, aproximadamenteGallerie degli Uffizi, Florencia

   

   Documentado, con una salvedad: este es el cuadro de Verrocchio. La Galería Uffizi lo nombra a él primero y a Leonardo después. Vasari anotó la parte del joven alumno, el ángel de la izquierda. Los estudios actuales le dan más: el río del fondo, el resplandor de la luz y el propio Cristo.

   Juan vierte agua sobre la cabeza de Cristo en el río Jordán, y dos ángeles se arrodillan a la izquierda. El ángel de la izquierda, visto de espaldas y girándose para mirar atrás por encima del hombro, es de Leonardo.

   Vasari escribió que el alumno pintó su ángel tan bien que inquietó a su maestro, y probablemente un tercer pintor, de más edad, trabajó también en la tabla: las manos de Dios y la paloma de arriba son de una mano más débil.

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2. Anunciación

   Hacia 1472Gallerie degli Uffizi, Florencia

   

   Documentado. Una obra temprana, pintada cuando aún estaba en el taller de Verrocchio. Nadie sabe quién la encargó ni dónde se colgó primero. La Galería Uffizi la recibió en 1867 de una iglesia situada justo fuera de una de las puertas de Florencia.

   Gabriel se arrodilla en la hierba de un jardín cerrado por un muro y le ofrece a María un lirio. Ella está sentada ante un atril, delante de un palacio, con el libro abierto.

   Las alas del ángel siguen el modelo de las de un ave rapaz real, y el brazo derecho de María parece demasiado largo: la Galería Uffizi cree que Leonardo lo dibujó para alguien que mirara desde la derecha, donde nos colocaría un altar lateral.

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3. Ginevra de’ Benci

   Entre 1474 y 1478, aproximadamenteNational Gallery of Art, Washington D. C.

   

   Documentado. Su identidad es segura. Quién encargó el retrato no lo es: puede que celebre su boda a los 16 años, o que lo encargara el embajador veneciano Bernardo Bembo, que la admiraba. El emblema de Bembo era el laurel y la palma, y su lema aparece bajo el de ella en las imágenes infrarrojas, así que al menos el reverso probablemente fue de Bembo.

   El anverso: Ginevra de’ Benci, una joven de una familia florentina de banqueros, ante un arbusto de enebro, ginepro en italiano, un juego con su nombre. El reverso de la misma tabla, que el ala cuelga junto al anverso: laurel y palma en corona alrededor de una ramita de enebro, y una cinta con un lema en latín, la belleza adorna la virtud. A la tabla le cortaron una franja de la parte de abajo, probablemente por daños, y con ella se fueron sus manos.

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4. Virgen del clavel

   Hacia 1475Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Alte Pinakothek, Múnich

   

   Documentado. Una de sus primeras tablas, hecha en sus años con Verrocchio, y uno de sus primeros ensayos con la pintura al óleo.

   María, en una habitación con ventanas, le tiende un clavel rojo al niño, que está sentado en un cojín delante de ella. Por las ventanas se ven montañas.

   Son las primeras de esas montañas azules y lejanas que conocemos de su mano, y la tabla perteneció a Giulio de’ Medici, que llegó a ser el papa Clemente VII.

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5. Anunciación, predela

   Entre 1475 y 1478, aproximadamenteMusée du Louvre, París

   

   Discutido, y aquí es el propio museo el que toma la otra postura. El Louvre la cataloga como obra de Lorenzo di Credi, que se formó junto a Leonardo con Verrocchio, con Leonardo como atribución anterior, y la fecha entre 1475 y 1500, aproximadamente. Hoy los expertos se dividen en tres posturas: Lorenzo, Leonardo o los dos juntos.

   Una tabla pequeña y ancha: el ángel se arrodilla ante María en un jardín. Viene de la predela, la franja de pequeñas escenas que va debajo de un retablo, del retablo que el taller de Verrocchio pintó para la catedral de Pistoia, donde la tabla principal sigue en su sitio.

   El Louvre ve más cerca de Lorenzo los ojos grandes, las caras más sencillas y los pliegues más planos. Compró la tabla en 1863 con la colección del marqués Campana, en Roma, que se vendió tras su quiebra.

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6. Madona Benois

   Entre 1478 y 1480, aproximadamenteMuseo del Hermitage, San Petersburgo. La propia página del Hermitage indica que no está en la exposición permanente, así que conviene comprobarlo antes de ir.

   

   Documentado. La pintura se pasó de su tabla de madera a un lienzo.

   Aquí María es muy joven, con el vestido y el peinado a la moda florentina de su época. Le acerca una florecita al bebé, que intenta agarrarla y le sujeta la mano. Los pétalos forman una cruz, un signo de lo que vendrá.

   El Hermitage dice que su cara viene de una modelo viva, no de un ideal, y si se quitan las aureolas doradas, lo que queda es una madre jugando con su hijo.

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7. San Jerónimo

   Entre 1480 y 1490, aproximadamentePinacoteca Vaticana, Ciudad del Vaticano

   

   Documentado. El Vaticano dice que la atribución nunca se ha puesto en duda. Fecha la tabla hacia 1482, porque su estilo es muy cercano al de la Adoración de los Magos. Algunos historiadores la sitúan más cerca de la década de 1490.

   El santo erudito como penitente en el desierto, delgado, sin barba y harapiento, arrodillado con una piedra en el puño, alzada para golpearse el pecho, y un león tumbado delante de él. En la mayor parte de la tabla no pasó del dibujo preparatorio en tonos pardos, y una mancha roja representa su sombrero de cardenal.

   En algún momento la partieron en cinco trozos. El tío de Napoleón, el cardenal Joseph Fesch, los encontró y los hizo unir, y el papa Pío IX la compró en 1856.

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8. Adoración de los Magos

   Entre 1481 y 1482, aproximadamenteGallerie degli Uffizi, Florencia

   

   Documentado. Los monjes de San Donato a Scopeto, un convento agustino a las afueras de Florencia, se la encargaron en julio de 1481 para su altar mayor y le dieron 30 meses. Leonardo se fue a Milán antes de terminarla. Al final, Filippino Lippi les pintó el retablo.

   Los tres reyes se arrodillan con sus regalos ante María y el niño, rodeados por una multitud en curva, y detrás hay ruinas, una construcción a medio hacer con escaleras y jinetes peleando. La mayor parte nunca pasó del dibujo: algunas figuras son solo contornos, otras están casi modeladas.

   La restauración de 2012 a 2017 mostró que resolvió la composición sobre la propia tabla, en lugar de fijarla antes en papel, algo raro incluso en él. Restauradores anteriores habían cubierto la tabla con un barniz teñido que la hacía parecer casi monocroma.

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Milán, de 1482 a 1499

En Milán pintó un retablo para una cofradía, que existe en dos versiones, la de Londres, según creen muchos, con la mano de su taller. Siguen tres retratos, uno de ellos discutido, y una Virgen que amamanta al niño que, según creen muchos, pintó un alumno a partir de su diseño. En el muro de un comedor pintó La última cena para Ludovico Sforza, con la que se cierra esta página.

1. La Virgen de las rocas, versión del Louvre

   Entre 1483 y 1494, aproximadamenteMusée du Louvre, París

   

   Documentado. El contrato está fechado el 25 de abril de 1483: Leonardo y dos pintores, los hermanos de Predis, debían pintar y dorar el retablo de la capilla de una cofradía de Milán. Siguió una larga disputa por dinero. Esta es la primera de las dos versiones.

   María se arrodilla en una gruta rocosa, con una mano extendida sobre el niño Jesús, y con la otra acerca al pequeño Juan el Bautista. Un ángel sostiene a Jesús y señala a Juan con el dedo, y Jesús lo bendice. Detrás, montañas y agua.

   Nadie sabe cómo llegó a Francia: la primera noticia de ella es de Fontainebleau, en 1625. Unas imágenes infrarrojas tomadas en 2009 muestran que el ángel se pintó primero sin la mano que señala, como en la tabla de Londres, y que Leonardo añadió el gesto casi al final.

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2. Retrato de un músico

   Hacia 1485Veneranda Biblioteca Ambrosiana, Milán

   

   Discutido, aunque sobre todo por voces antiguas. La Ambrosiana se lo atribuye a Leonardo sin dudarlo, y la mayoría de los expertos está de acuerdo. La duda empezó en 1890, cuando se propuso a Ambrogio de Predis. Un estudio de 1987 sugirió que Leonardo pintó la cabeza y el busto, y que otra persona, posiblemente Boltraffio, añadió después la mano con la hoja.

   Un joven visto hasta los hombros, un poco girado, apartándose de nosotros, y mirando hacia su derecha, con una partitura doblada en la mano. Nadie sabe quién es: pasaba por ser el duque de Milán hasta que una limpieza en 1905 dejó ver la mano y la hoja, y entre los nombres propuestos desde entonces están el maestro de capilla de la catedral, Franchino Gaffurio, y el amigo músico de Leonardo, Atalante Migliorotti.

   Sus dos pupilas no tienen el mismo tamaño, la izquierda un poco más pequeña, como si lo hubiera captado justo cuando el ojo se abre más al bajar la luz, algo que Leonardo describió en sus notas.

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3. La dama del armiño

   Entre 1489 y 1491, aproximadamenteMuzeum Narodowe w Krakowie, Muzeum Książąt Czartoryskich, Cracovia

   

   Documentado. Lo encargó Ludovico Sforza, según el museo, cuando la retratada tenía unos 16 años, y es el único cuadro de Leonardo en Polonia.

   Cecilia Gallerani, una joven de la corte de Milán y amante del duque, girada de tres cuartos y mirando más allá de nosotros, con un armiño blanco en brazos. Su nombre se propuso hacia 1900 y hoy se acepta, porque un poeta de la corte escribió un poema sobre el retrato que Leonardo le hizo. El armiño representa al duque, al que llamaban el Armiño Blanco por una orden que recibió en 1488, así que el museo ve el cuadro como un retrato doble.

   En una esquina de arriba, alguien escribió hacia 1800 que el cuadro representa a La Belle Ferronnière, el nombre del siguiente retrato de esta página, así que durante un tiempo los dos llevaron el mismo nombre.

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4. Retrato de una dama de la corte de Milán, conocido como La bella ferretera

   Entre 1490 y 1497, aproximadamenteMusée du Louvre, París. Cuando lo comprobamos, el Louvre lo daba como no expuesto.

   

   Documentado. Quién es ella sigue sin saberse. La candidata más antigua es Lucrezia Crivelli, amante del duque desde hacia 1495, nombrada en un poema latino que se copió en el Codex Atlanticus de Leonardo. Otros proponen a Beatriz de Este, la esposa del duque, o a Isabel de Aragón.

   Una joven ante un parapeto de piedra, con el cuerpo girado hacia un lado y la cabeza hacia el otro, un vestido rojo a la moda milanesa con mangas atadas con cintas y un cordón fino en la frente con una piedra roja. Su mirada pasa justo a nuestro lado.

   El nombre, La Belle Ferronnière en francés, es un error, y el propio título del Louvre lo dice: era el nombre de otro retrato de la colección real francesa, un grabado de este cuadro lo llevó por equivocación, y en 1784 un inventario llegó a llamarla Ana Bolena.

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5. Madonna Litta

   Hacia 1490Museo del Hermitage, San Petersburgo

   

   Discutido. El Hermitage la da como obra de Leonardo, sin matices, y la fecha a mediados de la década de 1490. Muchos expertos creen que la pintó su alumno Giovanni Antonio Boltraffio a partir del diseño de Leonardo. Martin Kemp ha dicho que casi todos los especialistas la ven así.

   María amamanta al niño en una habitación oscura con dos ventanas iguales, cada una abierta a amplias montañas. El Louvre tiene un estudio para ella, dice el Hermitage, y el nombre viene del duque milanés Antonio Litta: el Hermitage la compró a la colección Litta en 1865.

   Cuando la National Gallery de Londres la tomó prestada en 2011, el cuadro colgó como un Leonardo, mientras que un estudio de paños para él, en la misma exposición, llevaba el nombre de Boltraffio.

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6. La Virgen de las rocas, versión de Londres

   Entre 1491 y 1508, aproximadamenteNational Gallery, Londres

   

   Atribución con reservas. La National Gallery se la atribuye solo a Leonardo. El conservador del Louvre ve trabajo de alumnos en algunas partes, el niño Juan cercano a Boltraffio, y la considera pintada en gran parte por el taller bajo la mirada de Leonardo, con su propia mano en algunos puntos.

   La misma escena que el cuadro de París, con diferencias: el ángel ya no señala, las figuras llevan finas aureolas doradas y el niño Juan sostiene una cruz de caña. Se pintó para la capilla de Milán que nombra el contrato de 1483, y la galería encontró tres fases de trabajo: empezada a principios de la década de 1490, la cabeza de Cristo girada de perfil unos años después, y el cielo azul añadido después de que a Leonardo lo llamaran de vuelta en 1506.

   Las plantas de la gruta no son especies reales: la galería dice que son mezclas de varias plantas distintas.

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Venecia, Florencia y la Romaña, de 1500 a 1506

De vuelta en Florencia empezó la Gioconda y la Santa Ana, y trabajó en las dos durante años. Una pequeña Virgen para el secretario del rey de Francia se conserva en dos versiones, cada una con una atribución con reservas. En un muro del Palazzo della Signoria empezó una batalla que se perdió y que aquí se conoce por una copia.

1. Virgen de la rueca, versión Buccleuch

   Hacia 1501Colección del duque de Buccleuch, en préstamo a las National Galleries of Scotland

   

   Atribución con reservas. Existen dos versiones, una junto a otra en el ala. Bajo la pintura de cada una, los estudios encontraron los mismos cambios, hechos mientras las dos avanzaban en el taller. Martin Kemp interpreta que Leonardo usó un encargo para hacer un segundo cuadro para la venta. Otros se preguntan cuánto de cada una es suyo.

   María está sentada entre rocas y extiende la mano mientras el niño, girado sobre sus rodillas, agarra una devanadera (la «rueca» del título), la herramienta en forma de cruz para enrollar hilo, aquí un signo de la cruz que vendrá. Un fraile escribió a Isabel de Este en abril de 1501 que Leonardo la estaba pintando para Florimond Robertet, secretario del rey de Francia. En agosto de 2003, dos hombres que se hacían pasar por turistas la descolgaron de la pared en el castillo de Drumlanrig, en Escocia, y la policía la encontró cuatro años después en un despacho de abogados de Glasgow.

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2. Virgen de la rueca, versión Lansdowne

   Hacia 1501Kenneth C. Griffin Collection, en préstamo al Metropolitan Museum of Art, Nueva York

   

   Atribución con reservas. La etiqueta del Met dice «Leonardo da Vinci y taller». Las dos versiones avanzaron a la par en el taller. Según Martin Kemp, una fue para un funcionario francés y la otra, cree él, para el propio rey.

   La misma escena que la tabla de Buccleuch: el niño con la devanadera, María tendiendo la mano hacia él y rocas detrás. Cuelga en las salas de pintura europea del Met desde la primavera de 2026, en préstamo de larga duración y sin nota de prensa.

   En mayo de 2025 Martin Kemp escribió que ya no se podía localizar el cuadro, y un año después estaba colgado en una pared del Met.

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3. La Gioconda

   Entre 1503 y 1519, aproximadamenteMusée du Louvre, París

   

   Documentado. Se empezó en Florencia hacia 1503, probablemente para el marido de la retratada, el comerciante de seda Francesco del Giocondo. Leonardo nunca la entregó: viajó con él a Milán, a Roma y a Francia, y siguió trabajando en ella. El rey de Francia muy probablemente la compró en 1518 a Salaì, alumno de Leonardo.

   Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, sentada en una silla y girada hacia nosotros, con una mano sobre la otra, una balaustrada baja detrás y, más allá, montañas, agua, un camino sinuoso y un puente. Para el Louvre, otros nombres para la retratada no son una cuestión abierta: es Lisa.

   En 2005 apareció una nota en el margen de un libro de la biblioteca universitaria de Heidelberg: un funcionario florentino escribió en octubre de 1503 que Leonardo estaba trabajando en la cabeza de Lisa del Giocondo, y eso zanjó tanto quién es la retratada como la fecha.

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4. La Virgen y el Niño con santa Ana

   Entre 1503 y 1519, aproximadamenteMusée du Louvre, París

   

   Documentado. No consta ningún comitente. El Louvre cree que la empezó sin encargo, en Florencia, entre 1500 y 1503, aproximadamente, como muestra de lo que sabía hacer, y la tuvo consigo en Francia. El rey de Francia muy probablemente la adquirió en 1518.

   Ana está sentada con su hija ya adulta, María, en el regazo, y María se inclina hacia delante para sujetar al niño, que ha agarrado un cordero, signo de su sacrificio. Detrás, montañas y lagos, y delante, rocas en capas y agua.

   Seguía sin terminar cuando él murió: la restauración de 2010 a 2012 encontró sus últimas pinceladas en el manto de Ana, y la cara de María nunca recibió su modelado final, el más fino.

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5. La lucha por el estandarte, a partir de La batalla de Anghiari

   Siglo XVI, retocada a comienzos del siglo XVIIMusée du Louvre, París, Departamento de Artes Gráficas. Solo se puede ver con cita previa, en la sala de consulta.

   

   Copia. Un dibujo, no un cuadro, hecho por otras manos: en la ficha del Louvre, el artista es Rubens. Un italiano desconocido copió el enorme cartón de Leonardo en el siglo XVI, otros lo retocaron a comienzos del XVII, y Rubens, que fue su dueño, lo repasó con pluma y acuarela y agrandó la hoja.

   Jinetes trabados en una lucha por un estandarte de batalla, caballos y jinetes enredados en una sola masa: el centro de La batalla de Anghiari, la pintura mural que Leonardo empezó entre 1504 y 1505 para el Palazzo della Signoria de Florencia, hoy el Palazzo Vecchio. Lo que pintó en el muro se destruyó hacia 1560, y Rubens nunca lo vio.

   En el reverso de la tabla de la Santa Ana, en el Louvre, las imágenes infrarrojas encontraron tres bocetos, uno de ellos una cabeza de caballo muy parecida al caballo de la derecha de esta batalla.

   Ver la copia de La batalla de Anghiari en el ala

De nuevo Milán, de 1506 a 1513

Tras volver a Milán terminó La Virgen de las rocas de Londres, y puede que el San Juan sonriente se empezara aquí. El ala fecha en estos años dos obras más, el gran cartón que hoy está en Londres y una cabeza de muchacha con el pelo suelto, aunque las fuentes discuten sus fechas. El Salvator Mundi, discutido, está aquí porque su fecha llega hasta 1510.

1. Cartón de Burlington House

   Entre 1506 y 1508, aproximadamenteNational Gallery, Londres

   

   Documentado. No es un cuadro sino un dibujo, a carboncillo y tiza blanca sobre papel, y el único dibujo grande de su mano que se conserva. Su fecha se discute: la galería dice entre 1506 y 1508, aproximadamente, y el conservador del Louvre, hacia 1500, como su primera idea para la Santa Ana.

   María está sentada en el regazo de su madre, Ana, y sostiene al niño, que se estira hacia el pequeño Juan, mientras Ana señala hacia arriba. Es un dibujo a tamaño real que nunca se usó para pintar, porque la hoja nunca se perforó para pasar el diseño, así que la galería cree que se hizo para mostrárselo a un comitente.

   En su época el papel no se hacía en hojas de este tamaño, así que pegó muchas, y las uniones se ven de cerca.

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2. La despeinada

   Entre 1506 y 1508, aproximadamenteGalleria Nazionale di Parma, Complesso della Pilotta, Parma

   

   Atribución con reservas. La galería se la atribuye a Leonardo, con una opinión italiana casi unánime, y la fecha entre 1492 y 1501, aproximadamente. El ala sigue una propuesta que la fecha hacia 1508. Su reserva se basa en lo que es la obra: un boceto monocromo sobre una tabla de madera, ni dibujo ni cuadro terminado.

   La cabeza de una joven que mira hacia abajo, con el pelo suelto y revuelto. Scapigliata quiere decir «despeinada» en italiano. No se sabe para qué era: un estudio para un cuadro de Leda, para el cartón que hoy está en Londres, para La Virgen de las rocas de Londres, o algo hecho como obra autónoma.

   El propio director de la galería dudó de ella en 1896 porque venía del taller de un pintor. La galería la había comprado en 1839 a los herederos de un pintor, y el inventario que la acompañaba la llamaba simplemente cabeza de Virgen en claroscuro.

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3. Juan el Bautista

   Entre 1508 y 1519, aproximadamenteMusée du Louvre, París

   

   Documentado. No se conoce ningún comitente. Lo tuvo consigo en Francia, y el rey de Francia muy probablemente lo compró en 1518. Después pasó de mano en mano: un duque francés se lo regaló a Carlos I de Inglaterra, se vendió tras la ejecución de ese rey, y Luis XIV lo volvió a comprar para Francia en 1662.

   Un joven Juan el Bautista sale de la oscuridad, sonriendo, con la mano derecha señalando hacia arriba, una fina cruz de caña en la izquierda y una piel de animal moteada sobre el cuerpo.

   La piel tiene manchas como la de un leopardo, no es el pelo de camello de la Biblia, algo que el Louvre considera único en su época, y los análisis muestran que movió el contorno del cuerpo tres veces o más.

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4. Salvator Mundi

   Entre 1499 y 1510, aproximadamenteColección particular, lugar actual no confirmado

   

   Discutido, más que ningún otro. A favor de Leonardo: Martin Kemp y la National Gallery de Londres, que lo expuso como suyo en 2011. En contra o con dudas: Carmen Bambach, que atribuye la mayor parte a Boltraffio, y Frank Zöllner, que ve un cuadro de taller, probablemente con la mano de Leonardo, demasiado dañado y demasiado restaurado para un juicio firme.

   Cristo como salvador del mundo, que es lo que significa el título, de frente, con la mano derecha levantada para bendecir y una esfera de cristal transparente en la izquierda, vestido de azul con bandas bordadas. En 1958 se vendió en subasta por 45 libras como obra de escuela, y en noviembre de 2017, en Christie’s de Nueva York, por unos 450 millones de dólares, el precio más alto pagado nunca en una subasta por una obra de arte. Desde entonces no se ha mostrado en público, y una noticia de 2024 dice que puede que esté guardado en un almacén de Ginebra.

   Ver el Salvator Mundi en el ala

Amboise, de 1516 a 1519

Tras tres años en Roma se fue a Francia con la Gioconda, la Santa Ana y el San Juan todavía en sus manos. El único cuadro de estos años que hay en el ala es de su taller, no suyo.

1. Baco, antes Juan el Bautista

   Entre 1517 y 1520, aproximadamenteMusée du Louvre, París

   

   Taller. El Louvre lo cataloga como taller de Leonardo y lo atribuye a Francesco Melzi, el alumno que vivió con él en Francia desde 1516. El Louvre sugiere que Melzi lo pintó allí para el rey de Francia, a partir del pequeño San Juan de Leonardo.

   Un joven sentado en campo abierto, sonriendo y señalando, con hiedra en la cabeza, uvas y un bastón en las manos y una piel moteada alrededor. Se pintó como Juan el Bautista.

   En 1625, un visitante de Fontainebleau anotó que el cuadro no movía a la devoción, y a finales de ese siglo se transformó en el dios pagano Baco: se añadieron las uvas y la hiedra, y la cruz de Juan pasó a ser un bastón. La restauración de 2017 a 2019 mostró que la piel es original y que las uvas y la hiedra son posteriores.

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En su propio muro

1. La última cena

   Entre 1494 y 1498, aproximadamenteMuseo del Cenacolo Vinciano, Santa Maria delle Grazie, Milán

   

   No está en la sala de los cuadros. Una pintura mural, todavía en el muro en el que se pintó, en el comedor de un convento dominico, y el ala muestra una reproducción en un muro del patio, al tamaño del original.

   Cristo en el centro y los apóstoles a su alrededor en una mesa larga, pintada para Ludovico Sforza, duque de Milán, al temple sobre yeso seco y no al fresco.

   Como la pintura quedó sobre el muro y no dentro de él, empezó a desprenderse en unos veinte años. El resto de su historia está en su propia página.

   Ver La última cena en el ala

   La última cena tiene su propia página, en inglés: la puerta, la bomba, la restauración y cómo verla en Milán.