Le opere di Leonardo da Vinci

Vinci e Firenze, dal 1452 al 1481

Ha imparato a dipingere nella bottega del Verrocchio, a Firenze. Di quegli anni sono un dipinto a più mani, un’Annunciazione, un ritratto, due piccole Madonne e una tavola di predella che oggi il Louvre assegna a un compagno di bottega. Poi due tavole che non ha mai finito: il San Girolamo e l’Adorazione dei Magi, che gli hanno commissionato nel 1481.

1. Battesimo di Cristo

   Dal 1470 al 1475 circaGallerie degli Uffizi, Firenze

   

   Documentato, con una precisazione: è il dipinto del Verrocchio. Gli Uffizi indicano prima Verrocchio e poi Leonardo. Giorgio Vasari ha annotato la parte del giovane allievo, l’angelo di sinistra. Gli studi attuali attribuiscono a Leonardo di più: il fiume sullo sfondo, il chiarore della luce e lo stesso Cristo.

   Giovanni versa l’acqua sul capo di Cristo nel fiume Giordano, e due angeli sono inginocchiati a sinistra. L’angelo di sinistra, visto di spalle e che si volta a guardare sopra la spalla, è di Leonardo.

   Vasari ha scritto che l’allievo ha dipinto il suo angelo così bene da turbare il maestro, e probabilmente anche un terzo pittore, più anziano, ha lavorato alla tavola: le mani di Dio e la colomba in alto vengono da una mano più debole.

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2. Annunciazione

   1472 circaGallerie degli Uffizi, Firenze

   

   Documentato. Un’opera giovanile, dipinta quando era ancora nella bottega del Verrocchio. Nessuno sa chi l’abbia commissionata né dove sia stata appesa all’inizio. Gli Uffizi l’hanno ricevuta nel 1867 da una chiesa appena fuori da una porta di Firenze.

   Gabriele è inginocchiato sull’erba di un giardino cinto da un muro e offre un giglio a Maria. Lei è seduta davanti a un leggio, di fronte a un palazzo, con il libro aperto.

   Le ali dell’angelo sono modellate su quelle di un vero uccello rapace, e il braccio destro di Maria sembra troppo lungo: gli Uffizi pensano che Leonardo l’abbia disegnato per chi guardava da destra, dove ci metterebbe un altare laterale.

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3. Ritratto di Ginevra de’ Benci

   Dal 1474 al 1478 circaNational Gallery of Art, Washington

   

   Documentato. La sua identità è sicura. Chi abbia commissionato il ritratto, invece, non lo è. Il ritratto può celebrare il suo matrimonio, a 16 anni. Oppure può averlo commissionato l’ambasciatore veneziano Bernardo Bembo, che la ammirava. L’emblema di Bembo erano l’alloro e la palma, e il suo motto si trova sotto quello di Ginevra nelle immagini all’infrarosso: almeno il retro, quindi, probabilmente era di Bembo.

   Il fronte: Ginevra de’ Benci, una giovane donna di una famiglia fiorentina di banchieri, davanti a un cespuglio di ginepro, un gioco di parole sul suo nome. Il retro della stessa tavola, che l’ala appende accanto al fronte: alloro e palma in corona attorno a un rametto di ginepro, e un cartiglio con un motto latino, la bellezza adorna la virtù. Una striscia è stata tagliata dal fondo della tavola, probabilmente per un danno, e con la striscia sono andate perdute anche le mani.

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4. Madonna del Garofano

   1475 circaBayerische Staatsgemäldesammlungen, Alte Pinakothek, Monaco di Baviera

   

   Documentato. Una delle sue prime tavole, fatta negli anni con il Verrocchio, e una delle sue prime prove con la pittura a olio.

   Maria, in una stanza con finestre, porge un garofano rosso al bambino, seduto su un cuscino davanti a lei. Dalle finestre appaiono montagne.

   Sono le prime di quelle montagne azzurre e lontane che conosciamo dalla sua mano, e la tavola è appartenuta a Giulio de’ Medici, poi diventato papa Clemente VII.

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5. Annunciazione, tavola di predella

   Dal 1475 al 1478 circaMusée du Louvre, Parigi

   

   Controverso, e qui è il museo stesso a sostenere l’altra posizione. Il Louvre la attribuisce a Lorenzo di Credi, che si è formato accanto a Leonardo presso il Verrocchio, indica Leonardo come attribuzione precedente e la data dal 1475 al 1500 circa. Oggi gli studiosi si dividono in tre posizioni: Lorenzo, Leonardo o i due insieme.

   Una piccola tavola larga: l’angelo è inginocchiato davanti a Maria in un giardino. Viene dalla predella, la fascia di piccole scene sotto una pala d’altare, della pala che la bottega del Verrocchio ha dipinto per il Duomo di Pistoia, dove la tavola principale si trova ancora.

   Per il Louvre, gli occhi grandi, i volti più semplici e le pieghe più piatte ricordano Lorenzo. Il museo ha comprato la tavola nel 1863 con la collezione del marchese Campana a Roma, venduta dopo il suo fallimento.

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6. Madonna Benois

   Dal 1478 al 1480 circaMuseo statale Ermitage, San Pietroburgo. La pagina dell’Ermitage dice che non è nell’esposizione permanente: controlla prima della visita.

   

   Documentato. La pittura è stata trasportata dalla sua tavola di legno su una tela.

   Qui Maria è giovanissima, con l’abito e l’acconciatura alla moda fiorentina del suo tempo. Porge un fiorellino al bambino, che cerca di afferrarlo e le tiene ferma la mano. I petali formano una croce, segno di ciò che verrà.

   L’Ermitage dice che il suo volto viene da una modella vera, non da un ideale, e che senza le aureole d’oro resta una madre che gioca con suo figlio.

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7. San Girolamo nel deserto

   Dal 1480 al 1490 circaPinacoteca Vaticana, Città del Vaticano

   

   Documentato. Il Vaticano dice che l’attribuzione non è mai stata messa in dubbio, e data la tavola al 1482 circa, perché lo stile è molto vicino a quello dell’Adorazione dei Magi. Alcuni storici la collocano più vicino agli anni Novanta del Quattrocento.

   Il santo dotto, penitente nel deserto, magro, senza barba e coperto di stracci, è inginocchiato con una pietra nel pugno, alzata per battersi il petto, e un leone è sdraiato davanti a lui. Sulla maggior parte della tavola Leonardo non è mai andato oltre il disegno preparatorio bruno, e una macchia rossa sta per il suo cappello cardinalizio.

   A un certo punto la tavola è stata tagliata in cinque pezzi. Lo zio di Napoleone, il cardinale Joseph Fesch, li ha ritrovati e li ha fatti riunire, e papa Pio IX l’ha comprata nel 1856.

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8. Adorazione dei Magi

   Dal 1481 al 1482 circaGallerie degli Uffizi, Firenze

   

   Documentato. I monaci di San Donato a Scopeto, un convento agostiniano appena fuori Firenze, l’hanno commissionata nel luglio 1481 per l’altare maggiore e gli hanno dato 30 mesi. Leonardo è partito per Milano prima di finirla. Alla fine, la pala per loro l’ha dipinta Filippino Lippi.

   I tre re sono inginocchiati con i loro doni davanti a Maria e al bambino, una folla disposta in curva intorno a loro, e dietro ci sono rovine, una costruzione a metà con scale, e cavalieri che combattono. Gran parte non è mai andata oltre il disegno: alcune figure sono solo contorni, altre sono quasi modellate.

   Il restauro dal 2012 al 2017 ha mostrato che Leonardo ha elaborato la composizione direttamente sulla tavola, invece di fissarla prima su carta, una cosa rara anche per lui. Restauratori precedenti avevano coperto la tavola con una vernice colorata che la faceva sembrare quasi monocroma.

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Milano, dal 1482 al 1499

A Milano ha dipinto per una confraternita una pala d’altare che esiste in due versioni: in quella di Londra, secondo molti, c’è la mano della sua bottega. Seguono tre ritratti, uno dei quali controverso, e una Madonna che allatta, dipinta secondo molti da un allievo su un suo disegno. Sulla parete di un refettorio ha dipinto per Ludovico Sforza l’Ultima Cena, che chiude questa pagina.

1. Vergine delle Rocce, versione del Louvre

   Dal 1483 al 1494 circaMusée du Louvre, Parigi

   

   Documentato. Il contratto è datato 25 aprile 1483: Leonardo e due pittori, i fratelli de Predis, dovevano dipingere e dorare la pala della cappella di una confraternita a Milano. Ne è seguita una lunga lite sul compenso. Questa è la prima delle due versioni.

   Maria è inginocchiata in una grotta rocciosa, con una mano tesa sopra Gesù bambino, e con l’altra avvicina il piccolo Giovanni Battista. Un angelo sostiene Gesù e indica Giovanni con il dito, e Gesù lo benedice. Dietro, montagne e acqua.

   Nessuno sa come sia arrivata in Francia: la prima notizia è del 1625, a Fontainebleau. Immagini all’infrarosso fatte nel 2009 mostrano che l’angelo è stato dipinto prima senza la mano che indica, come nella tavola di Londra, e che Leonardo ha aggiunto il gesto verso la fine.

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2. Ritratto di Musico

   1485 circaVeneranda Biblioteca Ambrosiana, Milano

   

   Controverso, anche se i dubbi vengono soprattutto da voci più antiche. L’Ambrosiana lo attribuisce a Leonardo senza esitazioni, e la maggior parte degli studiosi è d’accordo. Il dubbio è nato nel 1890, quando è stato proposto il nome di Ambrogio de Predis. Uno studio del 1987 ha suggerito che Leonardo abbia dipinto la testa e il busto, e che qualcun altro, forse Boltraffio, abbia aggiunto più tardi la mano con il foglio.

   Un giovane visto fino alle spalle, con il corpo un po’ girato dall’altra parte e lo sguardo verso la sua destra, un foglio di musica piegato in mano. Chi sia, nessuno lo sa: passava per il duca di Milano finché una pulitura del 1905 ha scoperto la mano e il foglio, e tra i nomi proposti da allora ci sono il maestro di cappella del Duomo, Franchino Gaffurio, e l’amico musicista di Leonardo, Atalante Migliorotti.

   Le sue due pupille non hanno la stessa grandezza, la sinistra un po’ più piccola, come se fosse colto proprio quando l’occhio si apre di più nella luce che cala, una cosa che Leonardo ha descritto nei suoi appunti.

   Vedi il Musico nell’ala

3. Dama con l’ermellino

   Dal 1489 al 1491 circaMuzeum Narodowe w Krakowie, Muzeum Książąt Czartoryskich, Cracovia

   

   Documentato. Secondo il museo, l’ha commissionata Ludovico Sforza, detto il Moro, quando la donna ritratta aveva circa 16 anni. È l’unico dipinto di Leonardo in Polonia.

   Cecilia Gallerani, una giovane della corte di Milano e amante del duca, girata di tre quarti e con lo sguardo oltre noi, con un ermellino bianco in braccio. Il suo nome è stato proposto intorno al 1900 ed è accettato oggi, perché un poeta di corte ha scritto una poesia sul ritratto che Leonardo le ha fatto. L’ermellino rappresenta il duca, chiamato l’Ermellino Bianco per un ordine cavalleresco che aveva ricevuto nel 1488: per questo il museo vede nel quadro un doppio ritratto.

   In un angolo in alto, intorno al 1800, qualcuno ha scritto che il quadro raffigura la Belle Ferronnière, il nome del ritratto che segue in questa pagina: per un certo tempo, i due hanno avuto lo stesso nome.

   Vedi la Dama con l’ermellino nell’ala

4. Ritratto di dama, detta la Belle Ferronnière

   Dal 1490 al 1497 circaMusée du Louvre, Parigi. Quando abbiamo controllato, il Louvre la indicava come non esposta.

   

   Documentato. Chi sia non è stabilito. La candidata più antica è Lucrezia Crivelli, amante del duca dal 1495 circa, nominata in una poesia latina copiata nel Codice Atlantico di Leonardo. Altri propongono Beatrice d’Este, moglie del duca, o Isabella d’Aragona.

   Una giovane donna dietro un parapetto di pietra, il corpo girato da una parte e la testa dall’altra, in un abito rosso alla moda milanese con le maniche legate da nastri, un sottile cordoncino sulla fronte con una pietra rossa. Il suo sguardo ci passa appena accanto.

   Il nome è un errore, e il Louvre lo dice nel suo stesso titolo («dit à tort», detto a torto). Era il nome di un altro ritratto della collezione reale francese, una stampa di questo quadro lo ha portato per sbaglio, e nel 1784 un inventario l’ha chiamata perfino Anna Bolena.

   Vedi la Belle Ferronnière nell’ala

5. Madonna Litta

   1490 circaMuseo statale Ermitage, San Pietroburgo

   

   Controverso. L’Ermitage la presenta come opera di Leonardo, senza riserve, e la data alla metà degli anni Novanta del Quattrocento. Molti studiosi pensano che l’abbia dipinta il suo allievo Giovanni Antonio Boltraffio su un disegno di Leonardo. Martin Kemp ha detto che quasi tutti gli specialisti la vedono così.

   Maria allatta il bambino in una stanza scura con due finestre uguali, ognuna aperta su ampie montagne. Il Louvre ha uno studio per questo dipinto, dice l’Ermitage, e il nome viene dal duca milanese Antonio Litta: l’Ermitage l’ha comprata dalla collezione Litta nel 1865.

   Quando la National Gallery di Londra l’ha avuta in prestito nel 2011, il dipinto era esposto come un Leonardo, mentre uno studio di panneggio per lo stesso dipinto, nella stessa mostra, portava il nome di Boltraffio.

   Vedi la Madonna Litta nell’ala

6. Vergine delle Rocce, versione di Londra

   Dal 1491 al 1508 circaNational Gallery, Londra

   

   Attribuzione con riserva. La National Gallery la attribuisce al solo Leonardo. Il curatore del Louvre vede in alcune parti il lavoro di allievi, il piccolo Giovanni vicino a Boltraffio, e la considera dipinta in gran parte dalla bottega sotto lo sguardo di Leonardo, con la sua mano in alcuni punti.

   La stessa scena del quadro di Parigi, con delle differenze: l’angelo non indica più, le figure hanno sottili aureole d’oro e il piccolo Giovanni tiene una croce di canna. Il dipinto è stato fatto per la cappella di Milano citata nel contratto del 1483, e la National Gallery ha trovato tre fasi di lavoro: l’inizio nei primi anni Novanta del Quattrocento, la testa di Cristo girata di profilo qualche anno dopo, e il cielo azzurro aggiunto dopo che Leonardo è stato richiamato nel 1506.

   Le piante della grotta non sono specie reali: la National Gallery dice che sono miscugli di diverse piante.

   Vedi la Vergine delle Rocce di Londra nell’ala

Venezia, Firenze e la Romagna, dal 1500 al 1506

Tornato a Firenze, ha iniziato la Gioconda e la Sant’Anna, e ci ha lavorato per anni. Una piccola Madonna per il segretario del re di Francia si è conservata in due versioni, ognuna attribuita con riserva. Su una parete del Palazzo della Signoria ha iniziato una battaglia che è andata perduta e che qui è nota da una copia.

1. Madonna dei Fusi, versione Buccleuch

   1501 circaCollezione Buccleuch, in prestito alle National Galleries of Scotland

   

   Attribuzione con riserva. Ne esistono due versioni, una accanto all’altra nell’ala. Sotto la pittura di ciascuna, le analisi hanno trovato gli stessi ripensamenti, fatti mentre i due dipinti procedevano in bottega. Martin Kemp ci vede Leonardo che usa una commissione per fare un secondo dipinto da vendere. Altri si chiedono quanto di ciascuna sia suo.

   Maria siede tra le rocce e allunga una mano mentre il bambino, girandosi sulle sue ginocchia, afferra un aspo, l’attrezzo a forma di croce per avvolgere il filo (i «fusi» del titolo), qui segno della croce che verrà. Un frate ha scritto a Isabella d’Este nell’aprile 1501 che Leonardo stava dipingendo il quadro per Florimond Robertet, segretario del re di Francia. Nell’agosto 2003 due uomini che si fingevano turisti l’hanno staccato dalla parete nel castello di Drumlanrig, in Scozia, e la polizia l’ha ritrovato quattro anni dopo in uno studio legale di Glasgow.

   Vedi la versione Buccleuch della Madonna dei Fusi nell’ala

2. Madonna dei Fusi, versione Lansdowne

   1501 circaKenneth C. Griffin Collection, in prestito al Metropolitan Museum of Art, New York

   

   Attribuzione con riserva. La didascalia del Metropolitan Museum of Art dice Leonardo da Vinci e bottega. Le due versioni sono andate avanti insieme in bottega. Secondo Martin Kemp, una è andata a un funzionario francese e l’altra, pensa lui, al re in persona.

   La stessa scena della tavola Buccleuch: il bambino con l’aspo, Maria che allunga la mano verso di lui, rocce dietro. Dalla primavera 2026 il dipinto è appeso nelle sale di pittura europea del Metropolitan Museum of Art, in prestito a lungo termine e senza un comunicato stampa.

   Nel maggio 2025 Martin Kemp ha scritto che del quadro si erano perse le tracce, e un anno dopo era appeso a una parete del Metropolitan.

   Vedi la versione Lansdowne della Madonna dei Fusi nell’ala

3. La Gioconda

   Dal 1503 al 1519 circaMusée du Louvre, Parigi

   

   Documentato. Leonardo l’ha iniziata a Firenze intorno al 1503, probabilmente per il marito della donna ritratta, il mercante di seta Francesco del Giocondo. Non l’ha mai consegnata: il quadro ha viaggiato con lui a Milano, a Roma e in Francia, e lui ha continuato a lavorarci. Il re di Francia molto probabilmente l’ha comprato nel 1518 da Salaì, allievo di Leonardo.

   Lisa Gherardini, moglie di Francesco del Giocondo, seduta su una sedia e girata verso di noi, una mano posata sull’altra, dietro di lei una balaustra bassa e, più in là, montagne, acqua, una strada tortuosa e un ponte. Per il Louvre, la questione di altri nomi per la donna ritratta non si pone: è Lisa.

   Nel 2005 è emersa una nota a margine di un libro nella biblioteca universitaria di Heidelberg: un funzionario fiorentino ha scritto nell’ottobre 1503 che Leonardo stava lavorando alla testa di Lisa del Giocondo, e questo ha chiuso la questione sia della donna ritratta sia della data.

   Vedi la Gioconda nell’ala

4. Sant’Anna, la Vergine e il Bambino con l’agnellino

   Dal 1503 al 1519 circaMusée du Louvre, Parigi

   

   Documentato. Nessun committente è documentato. Il Louvre pensa che Leonardo l’abbia iniziata senza una commissione, a Firenze, tra il 1500 e il 1503 circa, per mostrare ciò che sapeva fare. Leonardo l’ha tenuta con sé in Francia. Il re di Francia molto probabilmente l’ha acquistata nel 1518.

   Anna siede con la figlia adulta, Maria, in grembo, e Maria si sporge in avanti per tenere il bambino, che ha afferrato un agnello, segno del suo sacrificio. Dietro, montagne e laghi, davanti, strati di roccia e acqua.

   Alla morte di Leonardo era ancora incompiuta: il restauro dal 2010 al 2012 ha trovato le sue ultime pennellate sul manto di Anna, e il volto di Maria non ha mai ricevuto l’ultima modellatura, la più fine.

   Vedi la Sant’Anna nell’ala

5. La lotta per lo stendardo, dalla Battaglia di Anghiari

   XVI secolo, rielaborata all’inizio del XVII secoloMusée du Louvre, Parigi, Département des Arts graphiques. Visibile solo su appuntamento, nella sala di consultazione.

   

   Copia. Un disegno, non un dipinto, di altre mani: nella scheda del Louvre l’artista è Rubens. Un italiano sconosciuto ha copiato l’enorme cartone di Leonardo nel XVI secolo, altri l’hanno rielaborato all’inizio del XVII, e Rubens, che lo possedeva, l’ha ripassato a penna e acquerello e ha ingrandito il foglio.

   Cavalieri avvinghiati nella lotta per uno stendardo di battaglia, cavalli e cavalieri annodati in un’unica massa: il centro della Battaglia di Anghiari, la pittura murale che Leonardo ha iniziato tra il 1504 e il 1505 per il Palazzo della Signoria a Firenze, oggi Palazzo Vecchio. Ciò che aveva messo sulla parete è stato distrutto intorno al 1560, e Rubens non l’ha mai visto.

   Sul retro della tavola della Sant’Anna, al Louvre, le immagini all’infrarosso hanno trovato tre schizzi, tra cui una testa di cavallo molto simile al cavallo di destra di questa battaglia.

   Vedi la copia della Battaglia di Anghiari nell’ala

Di nuovo Milano, dal 1506 al 1513

Dopo il ritorno a Milano ha finito la Vergine delle Rocce di Londra, e il San Giovanni sorridente potrebbe essere stato iniziato qui. L’ala data a questi anni altre due opere, il grande cartone oggi a Londra e una testa di ragazza con i capelli sciolti, anche se le fonti discutono le loro date. Il Salvator Mundi, controverso, sta qui perché la sua data arriva fino al 1510.

1. Cartone di sant’Anna, detto di Burlington House

   Dal 1506 al 1508 circaNational Gallery, Londra

   

   Documentato. Non è un dipinto ma un disegno, a carboncino e gesso bianco su carta, ed è l’unico grande disegno di sua mano che si è conservato. La sua data è discussa: la galleria dice dal 1506 al 1508 circa, il curatore del Louvre intorno al 1500, come sua prima idea per la Sant’Anna.

   Maria siede in grembo a sua madre Anna e tiene il bambino, che si allunga verso il piccolo Giovanni, mentre Anna indica verso l’alto. È un disegno a grandezza naturale che non è mai servito per dipingere, perché il foglio non è mai stato bucherellato per trasferire il disegno: per questo la galleria pensa che sia stato fatto per mostrarlo a un committente.

   Ai suoi tempi non esistevano fogli di carta così grandi, quindi ne ha incollati molti insieme, e da vicino le giunture sono visibili.

   Vedi il cartone di Burlington House nell’ala

2. La Scapigliata

   Dal 1506 al 1508 circaGalleria Nazionale di Parma, Complesso della Pilotta, Parma

   

   Attribuzione con riserva. La galleria la attribuisce a Leonardo, con la critica italiana quasi unanime, e la data dal 1492 al 1501 circa. L’ala segue una proposta che la data intorno al 1508. La riserva dipende da ciò che l’opera è: uno schizzo monocromo su una tavola di legno, né disegno né dipinto finito.

   La testa di una giovane donna che guarda in basso, con i capelli sciolti e scompigliati, da cui il nome. A cosa servisse, non si sa: uno studio per un dipinto di Leda, per il cartone oggi a Londra, per la Vergine delle Rocce di Londra, oppure un’opera autonoma.

   Lo stesso direttore della galleria ne ha dubitato nel 1896, perché veniva dallo studio di un pittore. La galleria l’aveva comprata nel 1839 dagli eredi di un pittore, e l’inventario che l’accompagnava la chiamava semplicemente testa di Madonna a chiaroscuro.

   Vedi la Scapigliata nell’ala

3. San Giovanni Battista

   Dal 1508 al 1519 circaMusée du Louvre, Parigi

   

   Documentato. Nessun committente è noto. Leonardo l’ha tenuto con sé in Francia, e il re di Francia molto probabilmente l’ha comprato nel 1518. Poi il quadro ha cambiato più volte proprietario: un duca francese l’ha regalato a Carlo I d’Inghilterra, è stato venduto dopo l’esecuzione di quel re, e Luigi XIV l’ha ricomprato per la Francia nel 1662.

   Un giovane Giovanni Battista emerge dal buio, sorridendo, la mano destra che indica verso l’alto, una sottile croce di canna nella sinistra, una pelle di animale maculata sul corpo.

   La pelle è maculata come quella di un leopardo, non di pelo di cammello come nella Bibbia, cosa che il Louvre definisce unica per l’epoca, e le analisi mostrano che ha spostato il contorno del corpo tre volte o più.

   Vedi il San Giovanni Battista nell’ala

4. Salvator Mundi

   Dal 1499 al 1510 circaCollezione privata, luogo attuale non confermato

   

   Controverso, più di ogni altro. A favore di Leonardo: Martin Kemp e la National Gallery di Londra, che l’ha esposto come opera di Leonardo nel 2011. Contro o in dubbio: Carmen Bambach, che ne attribuisce la maggior parte a Boltraffio, e Frank Zöllner, che vede un dipinto di bottega, probabilmente con la mano di Leonardo, troppo danneggiato e troppo restaurato per un giudizio sicuro.

   Cristo come salvatore del mondo, che è il significato del titolo, visto di fronte, la mano destra alzata a benedire, una sfera di cristallo trasparente nella sinistra, vestito di blu con bande ricamate. Nel 1958 è stato venduto all’asta per 45 sterline come opera di scuola, e nel novembre 2017, da Christie’s a New York, per circa 450 milioni di dollari, il prezzo più alto mai pagato all’asta per un’opera d’arte. Da allora non è più stato esposto in pubblico, e secondo un articolo del 2024 potrebbe essere in un deposito a Ginevra.

   Vedi il Salvator Mundi nell’ala

Amboise, dal 1516 al 1519

Dopo tre anni a Roma è partito per la Francia con la Gioconda, la Sant’Anna e il San Giovanni ancora tra le mani. L’unico quadro di questi anni nell’ala viene dalla sua bottega, non da lui.

1. Bacco, un tempo San Giovanni Battista

   Dal 1517 al 1520 circaMusée du Louvre, Parigi

   

   Bottega. Il Louvre lo indica come bottega di Leonardo e lo attribuisce a Francesco Melzi, l’allievo che ha vissuto con lui in Francia dal 1516. Il Louvre suggerisce che Melzi l’abbia dipinto lì per il re di Francia, partendo dal piccolo San Giovanni di Leonardo.

   Un giovane siede in aperta campagna, sorridendo e indicando, con l’edera sul capo, l’uva e un bastone in mano, una pelle maculata intorno al corpo. È stato dipinto come Giovanni Battista.

   Nel 1625 un visitatore a Fontainebleau ha annotato che il quadro non muoveva alla devozione, e alla fine di quel secolo è stato trasformato nel dio pagano Bacco: l’uva e l’edera sono state aggiunte, e la croce di Giovanni è diventata un bastone. Il restauro dal 2017 al 2019 ha mostrato che la pelle è originale, e che l’uva e l’edera sono più tarde.

   Vedi il Bacco nell’ala

Su una parete tutta sua

1. Ultima Cena

   Dal 1494 al 1498 circaMuseo del Cenacolo Vinciano, Santa Maria delle Grazie, Milano

   

   Fuori dalla sala dei quadri. Una pittura murale, ancora sulla parete su cui è stata dipinta, nel refettorio di un convento domenicano, e l’ala ne mostra una riproduzione su una parete del cortile, alle dimensioni dell’originale.

   Cristo al centro e gli apostoli intorno a lui a una lunga tavola. Leonardo l’ha dipinta per Ludovico Sforza, duca di Milano, a tempera su intonaco asciutto, non ad affresco.

   Poiché il colore stava sulla parete invece che dentro, ha cominciato a staccarsi nel giro di una ventina d’anni. Il resto della storia è nella sua pagina.

   Vedi l’Ultima Cena nell’ala

   L’Ultima Cena ha una pagina tutta sua, in inglese: la porta, la bomba, il restauro e come vederla a Milano.